Primeras imagenes ‘Inglourious Basterds’

Ya tenemos a disposición del gran público la primera imagen de la pelicula ‘Inglourious Basterds’, el último invento de Quentin Tarantino con Brad Pitt de protagonista.

Crítica Rock'n'Rolla

La nueva película de Guy Ritchie se presenta en Sitges 2008 fuera de concurso. Después de dos tropezones comerciales, Ritchie vuelve a visitar los temas y personajes que tan buen resultado le han dado.
En el Londres de hoy día, con sus especulaciones urbanísticas, un capo ruso de la mafia; una contable desleal; un par de delincuentes de segunda fila; políticos corruptos… variopinto repertorio de personajes para una película coral en los bajos fondos londinenses.
Ritmo frenético, diálogos con chispa, todo esto está en Rocknrolla que por otro lado no deja de ser más de lo mismo, es decir, una vuelta de tuerca de lo que fue Snatch, Cerdos y Diamantes, su mejor film hasta la fecha, y que a su vez también era una revisión de su primera película Lock and Stock.
La película entretiene, está bien rodada, y tiene algún momento cómico destacable (como la muy divertida persecución a pie de los dos guardaespaldas a los dos ladrones de segunda fila), pero sin llegar a cotas como la de Snatch.
Se ha perdido la frescura de la anteriormente citada y, evidentemente, la de Lock and Stock; resultando por momentos reiterativa y con menos fuerza.
Así pues el film no defraudará a los fans incondicionales del director, ni al público en general. Entretenimiento asegurado, y antesala para una segunda parte tal y como se nos anuncio en los créditos finales.

Nota: 6

Crítica Red

Brian Cox interpreta a un hombre mayor propietario de una tienda de comestibles que ve como un grupo de jóvenes matan a su perro sin motivo alguno.
Red, que así se llamaba el perro, es también el título de la película que han dirigido a duo Trygve Allister Diesen y Lucky McKee. McKee, que sorprendió en el 2002 con May, ahora nos ofrece junto con Allister Diesen un drama en toda regla, que incomprensiblemente forma parte de la sección oficial fantàstic del festival de Stitges 2008.

Por lo demás, la historia en si no es muy novedosa. Un incidente conlleva unas consecuencias, que llevan a otras, que llevan a otras… La particularidad reside en que el incidente inicial es la muerte de un perro, algo que muchos consideraran lamentable pero no trascendente. Y ciertamente la película resulta interesante en este tramo inicial, en el que se nos cuenta que la muerte de un animal de compañía es un momento duro para su “propietario”, (que mal suena esta palabra en este caso); y si la muerte no ha sido accidental, como ahora, debería dársele toda la atención que se merece y responsabilizar a los culpables como se merecen (y como la ley exige).
Todo esto devendrá en una trama de venganza, inevitable y forzada por los culpables de la muerte del perro, que nos es ofrecida de forma solemne y pausada por los dos directores.
Película más cercana por su realización a un telefilme de sobremesa, tiene su gran baza en la sobria interpretación de Brian Cox, excelente y sin duda lo mejor del film, presente prácticamente en todas las secuencias.

Nota: 6

Crítica Martyrs

Llegó a Sitges la película polémica del año, la que ha reabierto el tema de la censura en Francia, y plantea una vez más la pregunta de hasta donde debe ser permisible la violencia en el cine.
Pascual Laugier debutó en el largometraje con El Internado (2004), un mediocre film de terror olvidable. Martyrs es su segundo film y las expectativas, al menos para mí, no eran muy grandes. Más bien todo lo contrario después de la polémica desatada en su proyección en Cannes y todo lo que se ha escrito sobre ella (y lo que nos falta por leer).

Lucie escapa de su cautiverio y es recluida en una clínica donde hará amistad con Anna. Lucie está traumatizada por las torturas recibidas y no quiere recordar. 15 años después, una familia está tomando el desayuno cuando llaman a la puerta. El padre abre y Lucie, empuñando una escopeta, le dispara. Es el momento de su venganza.
Martyrs es una película violenta, muy violenta, aunque no la más dura ni la más salvaje como nos dicen. Y no lo es por que desde el principio utiliza recursos efectistas, tanto visuales como sonoros, de un film de horror al uso (eso si, con una producción de calidad) para pretender vendernos el horror en mayúsculas. Y ese es el problema, que no cuela.
Si la película se plantea la pregunta de qué queda después de la violencia (tal como dice su director), si se lo plantea en serio, el uso de efectismos le hace perder toda credibilidad. Y cuando se pierde credibilidad, el mensaje se difumina y lo que queda es el espectáculo del gran guiñol (muy sangriento, eso si).
Si Pascual Laugier se siente incómodo por que el público aplaude ciertas secuencias, o casi parece pedir disculpas por haber hecho la película (algo absurdo), es por que nos quiere vender gato por libre.

Curiosamente Martyrs tiene en su tramo final, en la tan comentada e interminable secuencia/as de tortura, su parte quizá más honesta: cine más o menos puro sin artificios, casi sin música ni efectos sonoros. Pero solo en esas escenas en concreto y solo hasta llegar a la pirueta final: el no va más de las torturas y el porqué de esas torturas. Pero todo eso es más bien poco y no puede hacernos olvidar el resto de metraje más propio de un film de horror al uso, que a uno con inquietudes.
Lo que si hay que reconocer es que como film de horror funciona, impacta, sobrecoge y, soy testigo, hace abandonar al público la sala (como lo han hecho también otros films anteriormente).

Que hay mucha maldad y crueldad en el mundo es innegable, solo hace falta ver las noticias. Querer plantearse preguntas sobre el por qué de esa maldad de una forma seria es encomiable e interesante de ver, por muy duro que resulte. Pero ese, desde luego, no es el caso de Martyrs.

Nota: 5

Crítica Vinyan

A diferencia de lo el belga Fabrice du Welz dijo al presentar Vinyan, esta no es tan distinta a Calvaire, su anterior trabajo.
Du Welz nos lleva esta vez a Tailandia. El hijo de Jeanne (Emmanuelle Béart) y Paul (Rufus Sewell) ha desaparecido a consecuencia de un tsunami. Incapaces de aceptarlo permanecen en el país sin perder la esperanza de encontrarlo.
Un día, en una fieta para recoletar fondos de ayuda para los habitantes que ocupan las aldeas más remotas, Jeanne cree ver a su hijo en un grabación. Es una imagen poco nítida y el niño está de espladas, pero la camisete roja del Manchester United no le deja duda. A partir de ahí, Jeanne y Paul se embarcarán en un viaje tan desesperado como esperanzador al corazón del horror. No es, sinembargo, un horror de monstruos gigantesco; el horror que nos presenta Vinyan puede emparentarse con el del capitán Benjamin L. Willard de Apocalypse Now, o el de Lope de Aguirre en el film de Herzog: después de todo, las tres películas, son road-movies (via rio) de aprendizaje o descubrimiento.
Hay otro título clave al que Du Welz hace referencia abiertamente: Amenaza en la Sombra de Nicolas Roeg (excelente por otro lado). Al igual que en Vinyan, una pareja pierde a su hijo (ahogado) y en un viaje a Venecia ella cree reconocerlo vestido con un impermeable rojo.
Antes hacía referencia a que Vinyan no es tan distinta a Calvaire. Ambas son dos dramas de horror. En ambas la naturaleza en su estado más primitivo está presente; entendiendo por naturaleza no solo el paisaje (mostrado perfecta y extrañamente cautivador, a la vez que aterrorizador), sino también sus habitantes. Los civilizadamente primitivos habitantes de la región de Liège no son tan distintos de los incivilizadamente primitivos habitantes birmanos, y las necesidades de unos aunque distintas, están emparentadas: la soledad, la falta de compañía, aunque para ello se recurra a una fantasía disfrazada (caso de Calvaire), se transforma aquí en la necesidad de una guía para unos espírituis de carne y hueso que bajan por la selva birmana. La perdida de un hijo es, a temprana edad, tan demoledor como la falta de una madre cuando no se alza más de un metro y medio; y Vinyan, la palabra, es una expersion de la zona utilizada para referirse a un espíritu inquieto que baja sin una luz que la guie.
Vinyan es una historia de necesidades (emocionales, existenciales, vitales), una maduración de Calvaire y por tanto un paso adelante totalmente consecuente en la carrera de Du Welz.
El uso del sonido así como una imagen tan cautivadora como fría, tan fantasmagórica como real (otras dos características ya presentes en Calvaire), hacen de Vinyan un drama que utiliza la atmósfera del fantástico (y dicho sea de paso, de forma magistral) y que sin duda aburrirá a los que esperen encontrar un film de terror.


Nota: 7

Crítica de The Sky Crawlers

Mamoru Oshii, el artífice de clásicos de la animación como Ghost in the Shell (en sus dos partes) o Avalon (imagen real), presenta en Sitges su último trabajo.
Imaginemos que en nuestro mundo ya no hay guerras y se ha impuesto un periodo de paz. Sin embargo, para conseguir esta situación idílica, dos grandes compañías se enfrenta en una guerra televisa sin fin; donde los llamados Kildren (niños que no crecen y no pueden morir, excepto en combate) son los protagonistas.
Que las guerras, además de una fuente de ingresos y efectivo (o no tanto) equilibrador demográfico, son una válvula de escape para amansar al animal que todos somos, no es ningún descubrimiento: somos lo que somos y como somos para desgracia de todos.

Sky Crawlers destaca por sus impresionantes combates aéreos magistralmente realizados en una perfecta combinación de técnicas de 2D y 3D; y unos efectos de sonido excelentes (obra y gracia de Skywalker Sound). El gusto por el detalle y los colores suaves, se unen a un ritmo pausado y unos diálogos concisos e inteligentes potenciando un discurso político y social. Pero fundamentalmente la película de Oshii nos habla de la desesperación de una juventud ante un futuro yermo: ¿para que crecer si no sabes si mañana vas a morir?
Pero fundamentalmente es un drama de sentimientos frustrados y dolorosos (y mucho), por que por mucho que nos empeñemos en “no crecer”, en no hacernos adultos, si algo no podemos evitar es el “sentir” (aunque podemos ignorarlo)
Sky Crawlers es una obra meditada y meditativa (si se quiere un tanto larga en metraje); triste, de tono melancólico; donde las miradas y los silencios importan tanto como los momento dialogados. Una parábola en que su originalidad no consiste en lo que nos cuenta (discurso que nos ha sido presentado en otros films), sino en como nos lo cuenta.
A destacar la excelente banda sonora compuesta por Kenji Kawaii, responsable de anteriores títulos de Oshii y que potencia con sus maravillosos acordes las imágenes de uno de los títulos importantes dentro del anime japonés.

Nota: 7

Crítica Death Race: La carrera de la muerte

Predecible es poco para una pelicula como "Death Race: La carrera de la muerte".

A base de esfuerzo y decepciones, el que escribe va curtiendo unas tacticas para que la pelicula de marras no pierda su interes hasta casi el final, pero en esta cinta fue imposible.

No me caracterizo por buscar el siguiente plano, la proxima trama y mucho menos hago loterias sobre el final, pero "Death Race" nos lo pone a tiro de nuestro subsconciente.

Despues de una intro bastante buena, nos dejan en medio de un futuro cercano que adquiere cierto interes, pera tras la primera escena de la trama, en casa del protagonista me queda un sentimiento desolador.

Durante todas las escenas, más o menos importantes, subrayadas por la camara lenta o por una música determinada, los detalles de la trama son señalados con luces de neón que nos tratan de idiotas.

A pesar de esa actitud, la acción transcurre si someterse a juicios morales ni a guiones demasiado pesados. Y eso es lo mejor de la pelicula, una mezcla de film carcelario con "Cadena Perpetua", curioso, pero es asi, asi pues tras ver el final no os desespereis por las incongruencias.

El conjunto es decente, no es tan feo como pegar a un padre con un calcetin, pero no es ninguna joya que valga la entrada de cine, como mucho en dvd y si se puede gorrear viendola en casa de un amigo, mejor que mejor.

Nota final:4

Crítica Asesinato Justo (Righteous Kill)

No nos engañemos, "Asesinato Justo" es un título poco afortunado. No seré yo quien dude de una más o menos acertada traducción, pero ese titulo huele a refrito. Si a eso le sumamos un poster donde delante de una ciudad se pueden ver los rostros de los dos protagonistas, más una arma intercalada, la formula no acaba de cuajar. Solo se salva la frase de "La mayoria de gente respeta la placa. Todos respetan el arma".

El inicio de la cinta, es prometedor, como dos amigachos de toda la vida, vemos a De Niro y Al Pacino en la galeria de tiro quemando polvora a todo trapo; una escena bonita pero tramposa, como casi toda la pelicula, ya que carece de tanta acción.

La emdeble trama no pide más explicaciones, y dado el coto cerrado de protagonistas, el circulo se cierra progresivamente, y ni la tramposa aparición de Robert De Niro explicando lo que sucede funciona bien al juego del despiste.

El conjunto es una pelicula regular en casi todos los aspectos, y en la que todo el encanto reside en la pareja protagonista, un De Niro regular y un Al Pacino contenido, algo extraño en él.

El director Jon Avnet se rinde a sus actores, tal como hizo con "88 minutos" de Al Pacino. Lejos queda el minimo rastro de sentimiento de su obra más carismatica la preciosa "Tomates verdes fritos" de 1992.

Si salimos de la cinta, la espera de tener a dos grandes en la misma cinta ha valido la pena, sin duda alguna para demostrar que hay actores que todavia llenan la pantalla, pero dejar que las ganas de ver a las estrellas, se antepongan a la calidad es dificil de creer.

En resumen, ni la presencia de 50 Cent como malote, ni el duo de estrellas recuperan de un naufragio cantado a la cinta y a su director; si escapamos de posos politicos, algunos dirán que las grandes estrellas que vemos son arrastradas por el fango de clichés; y en parte tienen razón.

Nota final: 5

Crítica Southland Tales

Donnie Darko (2001) es ya un film de culto entre los seguidores del fantástico, significando para Richard Nelly una excelente carta de presentación. Ha necesitado cinco años para presentarnos su segundo trabajo. Se esperaba con ansias y se esperaba mucho, pero en nuestro país nunca ha llegado a estrenarse. Ahora, dos años después de su estreno, Sitges 2008 en su sección retrospectiva de ciencia ficción, nos brinda la oportunidad de saciar la larga espera.

Un director de cine amnésico, una actriz porno y un policía que busca a su hermano gemelo se verán envueltos en una historia apocalíptica, donde Texas ha sufrido un ataque nuclear, provocando la tercera guerra mundial, y la solución a la crisis petrolífera parece pasar por un artilugio que altera la realidad.

Con sus dos horas y medias, el segundo film de Kelly intenta abarcar conceptos sociales y políticos, pero se pierde en un guión enrevesado incapaz de entrelazar los conceptos; y en una marabunta de imágenes y situaciones que, por efecto acumulativo, terminan mareando. Tampoco ayudan sus actores protagonistas, en especial un  Dwayne Jonson que si bien nunca ha sido un buen actor, en esta ocasión parece campar a sus anchas en una actuación entre insufrible y patética (especialmente cuando intenta ser gracioso).

La mezcla de géneros (ciencia ficción con pulso de película de acción y vestida de comedia) y el tono grandilocuente recuerdan las locuras fallidas de Terry Guillian. Por que eso es  Southland Tales, una película muy, muy ambiciosa pero fallida, cargante y larga; pero que sin duda terminara convirtiéndose en otro “clásico” imprescindible de el nuevo milenio.

Un paso en falso para Richard Kelly, que ha querido abarcar demasiado (y eso que Donnie Darko era tan ambiciosa y compleja como esta a nivel narrativo) pero casi obligado de ver para todos aquellos que  caímos rendidos con su primer film. Vuelve pronto  Richard, vuelve a sorprendernos por que puedes, pero serénate un poco.

Nota: 5

Crítica de "Reflejos (Mirrors)

Alexandre Aja impactó hace cuatro años con la brutal Alta Tensión. Después de ello, el joven director y guionista francés fue “adoptado” por Hollywood en un intento, quizá, de insuflar un soplo de aire fresco al cada vez más reiterativo género fantástico. En realidad lo que Hollywood hace generalmente es “secuestrar” los nombres que más suenan fuera de sus fronteras, para ofrecerles en muchas ocasiones productos tan aburridos como los de siempre; o remakes, algo tan absurdo en la mayoría de los casos como lucrativo; con el fin de atrae a más público. A  Aja le ofrecieron el remake de Las Colinas Tienen Ojos (Wes Craven, 1977), y la verdad es que le salió francamente bien: dio lo que prometía.

Ahora le toca el turno a Into de Mirror, película sud-coreana del 2003. Y esta vez no le ha salido tan bien.

Ben Carson (Kiefer Sutherland ) es un inspector de la policía de New York  que, tras disparar fatalmente a otro policía, es suspendido. Un año después, intenta superar su alcoholismo y recuperar su vida y su familia. Para ello acepta el empleo de vigilante nocturno en unos grandes almacenes calcinados hace algunos años. Pero algo espera en los espejos del ruinosos Mayflower.

Quién haya visto los anteriores trabajos de Aja, acudirá a ver Reflejos esperando gore y sangre. Y aunque la secuencia de apertura parece prometernos un nuevo festín, lo cierto es que de eso hay bien poco.

La película aburre en sus 110 minutos de metraje. Larga, demasiado larga; llena de los previsibles y, parece que actualmente, casi obligatorios sustos (donde el sonido magnificado es el alma del mismo). Una historia de inicio pausado, casi más propio de un drama pero fuera de contexto por que el drama en si mismo, las miserias de Ben, son también tópicas y eso las hace nada interesantes; donde las tonalidades azules con que nos son presentadas las escenas nocturnas, ayudan a enfatizar ese tono tristón y frío (la acción se desarrolla en invierno); y no será hasta su tercio final donde Aja imprime algo más de ritmo y fuerza en las escenas (si lo que vas a contar es más de lo mismo, al menos muéstranoslo de forma interesante). El problema es que ya es demasiado tarde para captar el interés. Y eso que los espejos son un elemento atractivo que podría dar mucho juego.

Sin embargo, curiosamente, el final del final (por que siempre hay un final después del final en este tipo de películas; otro tópico) demuestra no ser muy original, ni quizá sorprendente, pero al menos no es ofensivo si no todo lo contrario.

Un película que puede gustar y entretener, a mi me aburrió, con contadas escenas sangrientas; donde los personajes reaccionan de forma simplona, cuando no absurda; y diálogos más simplones si cabe. Decepción para los seguidores de Aja; decepción para

los seguidores del fantástico; y decepción para inaugurar la 41 edición del Festival Internacional de Sitges 2008.

Por cierto, el próximo proyecto de Aja, indiscutible hombre-remake, es una versión de Piraña (Joe Dante, 1978), aunque esta vez con la “magia” del 3-D (algo nuevo hay que aportar, ¿no?).

Y de extra os dejamos el poster original de USA y el trailer en español:

Festival de cinema de Sitges

Desde el Club Freak no podiamos dejar escapar uno d elos mejores festivales de nuestro país, por eso, a partir de hoy Xavi Porta nos traerá las mejores críticas de este festival.

Crítica 3 Dias

Un meteorito se acerca inexorablemente a la tierra provocando en el plazo de tres días la destrucción de toda forma de vida humana.
No es la primera vez que los malvados meteoritos se empeñan en hacernos puré. Ahí están Armaggedon, Deep Impact, Space Cowboys (la más cachonda y sarcástica de todas, y es que hasta de las rocas Eastwood sabe sacar partido). Incluso a finales de los 70, Sean Connery se las vio y se las deseo con el film Meteoro.
Pero en esta ocasión el escenario de tanto desastre no son los EE.UU. (¿qué raro?, si todo lo bueno y malo pasa siempre ahí), ni Bruce Willis nos va a salvar en el último momento.
Esta vez la acción se desarrolla en la Laguna, un pueblecito del sur de España y 3 Días es el debut en el largometraje de F. Javier Gutiérrez.
Asumiendo las funciones de director y guionista, nos ofrece un thriller atípico repleto de referencias cinematográficas. Para empezar el mismo meteorito no es más que lo que Hitchcock llamaba un “mcguffy” (un mero pretexto); si alguien piensa que va a asistir a un súper espectáculo catastrofista, se llevará una decepción.
Y las sombra de Hitchcock planea sobre el personaje de Ale (Victor Clavijo), alma gemela del James Stewart de Vértigo (esa escena en las escaleras, sentido homenaje a la obra maestra del orondo director).
Por otro lado tenemos a Lucio (Eduard Fernández), que en el primer tercio del film nos es presentado como si de Michel Myers se tratara: su huida de prisión aprovechando los disturbios a consecuencia de la llegada del meteorito; el robo de un vehículo y ropa con el consiguiente asesinato de sus propietarios; la forma de “entrever” al personaje; su objetivo de regresar al pueblo para llevar a cabo su venganza contra Tomás y su familia; la misma descripción que se hace de Lucio, el mal en estado puro; todo es un claro (y para mí sincero) homenaje a Halloween, el clásico indiscutible de Carpenter tantas veces imitado (para mal).
En 3 Días Rosa (Mariana Cordero), madre de Ale y Tomás, empleará sus tres últimos días de vida para defender la vida de los hijos de Tomás, que viven a las afueras del pueblo y cuyos padres se han tenido que ausentar, sabedora de que Lucio se acerca y nada podrá detenerlo.
El film consigue atrapar en su primer tercio para decaer cansinamente en un alargado e insustancial estiramiento del suspense en su segundo tercio, y finalmente remontar el vuelo. Aunque el enfrentamiento físico entre Lucio y Ale resulta del todo plano y poco trabajado, y es que en la mayoría de las ocasiones, para nuestro cine, todavía resulta difícil imprimir la fuerza y agarra necesarias en las escenas de acción.
Película que juega con la decoloración de las imágenes, tendiendo en algunos momentos casi al blanco y negro; mientras que en otros se acentúa la saturación de los colores (o mejor dicho, se acentúa el contraste de los mismos).
Construida en base a una planificación perfectamente elaborada, tanto que puede llegar a sacarte de la historia. A veces los planos o movimientos de cámara tan milimétricamente ajustados, pueden ser del todo contraproducentes acentuando la artificiosidad de la historia y restándole credibilidad. Este es el caso de, por ejemplo, el tan celebrado plano secuencia del film de Alex de la Iglesia, Los Crímenes de Oxford (que dicho sea de paso, carece de la elegancia de los de DePalma a quien homenajea); o los inexplicables movimientos de cámara en Todos Estamos Invitados.
Por otro lado Eduard Fernández, actor que admiro y me gusta, está totalmente desaprovechado en un papel de psicópata del que no se le saca ningún partido resultando más propio de un Viernes 13 de segunda fila. A destacar unos buenos efectos especiales sabiamente utilizados.
Resumiendo, película diferente en nuestro cine (afortunadamente) y meritoria aportación al fantástico español; así como agradable homenaje no solo a Vértigo y Hallowwen, también a los mejores westerns de Howard Hawks como su insuperable Río Bravo.
Un director a tener en cuenta.

Nota: 6

Crítica Iron Man

Podríamos dividir en dos grupos las adaptaciones actuales al cine de los personajes Marvel. Las serias, caso de las dos partes de X-Men de Bryan Singer e Iron Man que hoy nos ocupa; y las frívolas, en la que entrarían el resto dando productos tan dispares como la agradable Los 4 Fantásticos o abominaciones como Elektra. Spider-man se quedaría en terreno de nadie, más cercano a la vergüenza ajena como siga por los derroteros de su tercera parte.
Iron man es una película disfrutable, totalmente recomendable, que no cae en infantilismo y humor simplón. Vamos, que no insulta al espectador.
El merito reside en un guión sólido; unos actores acertados entre los que destaca un estupendo Robert Downey Jr en un papel que podría darse al exceso; y un director, Jon Favreau, que sorprende teniendo en cuenta sus anteriores trabajos destinados a un público infantil.
Robert Downey Jr da vida a Tony Stark, multimillonario, mujeriego, pasota y alcohólico (aunque esto último el film lo suavice) que verá como su vida da un giro de 360 grados al sufrir un ataque en Afganistán, mientras asiste a la presentación de una nueva y devastadora arma fabricada por su empresa. Herido por fragmentos de metralla que ponen en peligro su corazón, se verá obligado a construir una armadura que le mantenga con vida y le ayude a escapar de los insurgentes, que le mantienen prisionero para que construya para ellos esa misma arma. Así nace el vengador dorado.
Sus 127 minutos aunque excesivos (¿por qué todo el mundo le da por hacer películas tan largas cuando pueden contar lo mismo en menos tiempo?), no se hacen pesados y
Robert Downey Jr demuestra que es uno de los mejores actores de su generación, cuya tortuosa vida privada le ha impedido hasta ahora situarse en el lugar que se merece, dotando al personaje de Stark de una sutil tristeza.
Si algo se echa en falta, como en toda película de superhéroes que aborda al personaje por primera vez, son las apariciones de Iron Man, más bien escasas. Pero este es un problema inherente, que no insalvable, a este tipo de películas a las que siempre hay que esperar a una segunda parte para disfrutar del héroe en su plenitud.
Buen cine de entretenimiento, buena adaptación de uno de los superhéroes más poderosos del planeta, Iron Man satisfará tanto ha aficionados al comic como al cine en general.

Nota: 7

Las Ruinas

Parece que un nuevo subgénero dentro del cine fantástico está tomando cuerpo aunque sea de forma involuntaria. Me refiero al de jóvenes, normalmente norteamericanos, de vacaciones en parajes más o menos exóticos, listos para vivir un auténtico calvario. Ahí están las dos partes de Hostel, Turistas, la excelente Wolf Creek (aunque esta era australiana), y ahora le toca el turno a Las Ruinas, debut en el largometraje de Carter Smith.
En esta ocasión nuestros jóvenes sufridores viajan a México, y cansados de piscina y playa, deciden visitar una antigua pirámide maya donde antiguamente se practicaban sacrificios humanos. Una vez ahí: pues eso, a ver quien y como muere primero.
La sorpresa de la película reside en “qué o quién” va masacrando a los jóvenes, y es indudable que la solución tiene su gracia. Por supuesto las razones que motivan a ese “que o quién” nunca se nos serán reveladas, ni falta que hace.

Como en toda película de terror actual que se precie, no faltan unos buenos típicos sustos (lo cual hoy en día ya no tiene ningún mérito) y un buen toque de gore (eso, últimamente, tampoco).
Hay que reconocerle a Las Ruinas cierta voluntad de distanciarse de productos similares, principalmente debido al elemento sorpresa anteriormente citado, y a desarrollarse prácticamente la totalidad de la acción sobre el reducido espacio donde se encuentra la entrada a la pirámide.

Pero una vez desvelada la sorpresa, ese mismo espacio reducido en que transcurre la acción y un guión cansino y repetitivo, termina lastrando la película.
No obstante, y aunque poco o nada aporta al género fantástico, se deja ver sin ofender la inteligencia del espectador, lo cual hoy en día ya es de agradecer, y puede ser un entretenimiento para una tarde de palomitas y refresco.

Nota final: 4

Todos estamos invitados

Josu (Óscar Jaenada) , un joven gudari, pierde la memoria a raíz de un enfrentamiento con un control de la guardia civil al intentar incendiar un camión.
Xavier (José Coronado) es un profesor universitario amenazado de muerte por sus opiniones críticas sobre la situación de Euskadi.
Francesca (Vanessa Incontrada) trabaja como terapeuta en el centro psiquiátrico donde está internado Josu a la vez que mantiene una relación con Xabier.
El destino de los tres confluirá en el último trabajo de Manuel Gutiérrez Aragón que ahora nos llega a las pantallas.
De ritmo pausado, la película incide fundamentalmente en el miedo y la ansiedad que cualquier ser humano amenazado de muerte debe enfrentar. Es este, quizá, el mejor logro de la película y lo que la diferencia del resto de títulos que han intentado acercarse con mayor o peor fortuna al terrorismo de ETA.

Y ciertamente, el inicio y la intención no podían ser más prometedores. ¿Qué siente alguien amenazado por una banda terrorista?. En unos tiempos, que ya duran demasiado y desgraciadamente seguirán durando, en que la humanidad vive gobernada por el miedo al terrorismo (miedo alimentado e utilizado muchas veces de forma vergonzosa por los mismos gobernantes que dicen querer protegernos), Todos Estamos Invitados podría haber sido una muy buena película, al menos temáticamente, no solo sobre el conflicto vasco, si no sobre ese miedo generalizado.

A destacar precisamente eso, el vivir día a día del personaje de Xabier; su relación con los amigos; el miedo de estos, un miedo silencioso pero palpable; su relación con Francesca, etc. Gutiérrez Aragón cuida todos estos detalles para mostrarnos que siente un vasco en un país permanentemente asustado.
Pero la película quiere mostrarnos los dos lados del conflicto, lo que termina malogrando el producto final. El tiempo dedicado a mostrarnos el devenir del joven etarra es excesivo y en cierto modo superficial, lo que incide directamente en el drama humano representado por Xabier del que se podría haber sacado mucho más partido.
La película abandona intermitentemente ese lenguaje visual sin florituras para decantarse por el thriller de elaborada imagen. Destacar en este sentido la secuencia final, que recuerda mucho al cine de DePalma (pero un DePalma en horas bajas, que también las tiene) que tira por tierra toda credibilidad tanto a nivel narrativo como de personajes.

Tampoco ayuda nada una banda sonora que magnifica los momentos de tensión como si de un thriller al uso se tratara y termina acompañando los créditos finales con un tema más propio del El Señor de los Anillos o similares.
En definitiva, un film con buenas intenciones, interesante, pero que acaba siendo fallido por no saber si decantarse por la contemplación y exposición del drama humano o por el thriller.

Nota final: 5

Critica de "Todos estamos invitados" realizada por Xavi Porta.

Cashback

"Cashback" es un retrato onírico reconfortante, y realizar la crítica es igual de relajante.
De ritmo pausado y aspecto sobrio, los artificios no necesarios son eliminados vilmente.
Desde el punto de partida de un cortometraje, su director y guionista Sean Ellis nos enseña como transcurre la vida para un chico que acaba de romper su primera relación seria.
En momentos de ansiedad, comunes a cualquier situación parecida, su cuerpo reacciona de una manera convincente, no duerme.
Con insomnio, con ocho horas más de vida al día, empieza la batalla del tiempo y su control.
"Yo les doy ocho horas y ellos me pagan"
Con esta gran frase lapidaria da su entrada en el turno de noche de un súper abierto 24 horas.
Dentro del establecimiento, dentro de "Cashback", veremos a lucha de cada uno de los protagonistas por vencer la carrera del tiempo.
Unos lo hacen buscando cualquier otra cosa que hacer que no sea trabajar, la chica de la película evita mirar los relojes y nuestro protagonista es el más original y fabuloso.
La calidad del personaje, unida a sus dotes artísticas y a la fijación por la belleza femenina nos traerá momentos agradables de ver por como son tratados.
En la película es fácil ver un desnudo, pero no lo veremos indecente ni fuera de lugar.
Los actores actúan como un equipo, una maquina engrasada donde cada uno tiene un papel concreto, aquí no hay divagaciones.
A destacar el protagonista escogido para tirar hacia adelante la cinta
Buen estreno de Sean Ellis que demuestra como reciclar un corto genial en una película para el gran publico.

Recomendable para agradables tardes de domingo.

Nota final: 6

Trailer "Elegy"

Ya tenemos el trailer en castellano de la nueva pelicula de Isabel Coixet protagonizada por Penelope Cruz y Sir Ben Kingsley.

Elegy trailer castellano
Cargado por divertimentofreak

Casi 300 (y dos)

Realizar películas como "Epic Movie", "Date Movie", "Scary Movie" y demás subproductos del estilo es una tarea de agradecer.
Las productoras ven como su inversión es desproporcionalmente pequeña si se compara con los futuros beneficios, los actores de medio pelo; algunos olvidados como Kevin Sorbo, aquel "Hércules" que amenizaba los veranos por la televisión y que gozo de buena acogida, tienen una oportunidad para comer caliente a final de mes y demostrar que no han muerto como dice la leyenda urbana de turno.
Los directores, muy underground y "anti-casual" vomitan esta cinta con un objetivo claro, pasarlo bien y cobrar.
Y es que "Casi 300" es una más dentro del genero de la parodia gruesa, faltona y con nula mala leche benefactora; aquí todo tiene un doble sentido.
Podemos rasgarnos las vestiduras por la moribunda vida de este genero, "El Jovencito Frankeinstein", "La loca historia de las galaxias", incluso productos como "Top secret" o "Hot shots" que tenían algún aroma a clásico.
Así pues dentro del genero habría que realizar una segunda vía de escape para colocar a esta cinta sin contaminar.
En lo referente estricto a la película es un empaño de taquilleras parodias con el fondo de "300", una peli que pueden llegar aborrecer si ves "Casi 300", ya que es una mala calcomanía.
Los actores son punta y a parte por que resultan ser solo títeres sin cabeza, ni la estimulante Carmen Electra llena él vació existencial, se le ve demasiado pasada de rosca, incluso fuera de sitio para estos papeles que resulta tan abonada últimamente, tal vez sea el declive de la reina.
Las parodias, que de eso va la peli, no dejan de ser simples, algunas horribles, otras "made in USA" difícil de pillar y en general la sensación es de estar viendo un programa de "Buenafuente" con los gags a toda leche.
Y es justamente el dinamismo televisivo lo que salva la vida al espectador, ya que la casi hora y media que dura pasa fugaz, sin tiempo a fustigar tu espalda por el muermo que has pagado por ver.

Recomendable solo para valientes con acné juvenil y grupos de 4 o más chicos adictos al you tube.

Nota final: 3

Shine a light

Que Martin Scorsese es uno de los grandes del cine no hay duda. Que los Rolling Stones son uno de los grandes de la música tampoco. ¿Y que pasa cuando dos de los grandes del mundo del arte confluyen? Pues un concierto y poco más.
Filmado en el Beacon Theatre de New York en otoño del 2006, Shine a Light satisfará a los fans de la mítica banda.

Desde siempre Scorsese ha sido un hombre inquieto y sus trabajos cinematográficos no se han ceñido exclusivamente a las obras de ficción. El documental siempre ha atraído al director de Taxi Driver y Toro Salvaje (por la que fue nominada al oscar que injustamente no se le concedió), sin duda sus dos mejores trabajos y auténticas piezas claves de la historia del cine. Ahí está su participación en la serie documental The Blues, o su más reciente trabajo sobre Bob Dylan en No Direction Home, por no hablar de su repaso a la historia del cine norteamericano o al neorrealismo.

Sin embargo Shine a Light tiene muy poco, por no decir nada, de documental, aunque en algunos medios así se ha vendido. Apenas cuatro momentos retrospectivos, más que entrevistas, repartidos a lo largo de todo el metraje. Lo cual tampoco dbería sorprendernos pues ya en 1978 nos presentó el último concierto que ofreció el gripo canadiense de rock The Band.

Cierto es que Shine a Light, como cualquier otro concierto, debería haberse enfocado estrictamente al mercado del dvd y no las salas cinematográficas. Evidentemente esta excepción ha sido posible principalmente al tirón legendario de los Rolling más que por el propio nombre de Scorsese. Sin embargo, a diferencia de los demás productos de este tipo, Scorsese consigue que el espectador sienta como pocas veces lo que es estar sobre un escenario cara a cara con los artistas. Colocando las cámaras casi pegadas al escenario y sobre el, casi no utiliza los planos generales a favor de planos más cercanos y de larga duración, fragmentando el montaje solo en los momentos imprescindibles que el propio ritmo de las letras y la música va marcando. Así, el espectáculo es total.

La película se abre con un Scorsese nervioso, demasiado nervioso para un hombre de su experiencia, colocando cámaras, intentando conocer infructuosamente el repertorio de la banda, etc.. Quizá sea una broma más, como muchos de los comentarios jocosos de los Rolling que salpican de vez en cuando el metraje. O quizá una búsqueda de protagonismo del director. Yo me decantaría por una mezcla de ambos, aunque particularmente me pareció del todo superfluo. Tan innecesario como el excesivo tiempo dedicado a mostrarnos la visita del ex-presidente Bill Clinton el día del concierto en el Beacon Theatre. Luego, todo un repertorio de temas conocidos por todos, pero también piezas que nunca o raramente llegaron a interpretar.

Y la película se cierra nuevamente con Scorsese y aquí si, aquí es cine. Un plano secuencia que simula la mirada de los Stones mientras se dirigen a la salida del Beacon Theatre, mientras Scorsese ordena a sus operarios que no pierdan detalle del momento, para finalmente elevarse en la noche de Maniatan, hacia el cielo, sin perder de vista el teatro con sus neones centelleantes. Un plano que me recordó al plano con que se cierra Taxi Driver; o al momento de New York, New York en que la cámara, elevándose, sigue la salida de Robert DeNiro de una sala de fiestas hasta que resulta imposible distinguirlo entre la multitud y una flecha aparece en la pantalla para señalarnos donde se encuentra.

Nota: 7

Critica de "Shine a light" realizada por Xavi Porta.

Casi 300

Meet the Spartans, o Casi 300 como se la ha titulado aquí, consiguió situarse en su primer fin de semana en el primer puesto del box-office estadounidense al igual que en nuestro país.
Producto de vida corta pero muy efectiva, no es más que la enésima versión paródica de un supertaquillazo made in USA que tan acostumbrados nos tiene el cine norteamericano.
En esta ocasión la “victima” escogida es 300, adaptación de la novela gráfica de Frank Miller
estupendamente llevada al cine por Zack Zinder.

Jason Friedberg y Aaron Seltzer, guionistas y directores, verdaderos especialistas en este peculiar género (suyos son los guiones de Epic Movie, Date Movi, Sacary Movie y sus secuelas, además de dirigir las dos primeras) arropados por un casting repleto de actores procedentes de la televisión entre los que destacan Sean Maguire, Carmen Electra, el “herculiano” Kevin Sorbo y Ken Davitian, nos ofrecen poco más de 84 minutos de cartón piedra y fondos pintados, saturados de gags que poca o nula gracia hacen. Todo vale. Desde la referencia a programas-concursos de la televisión americana, hasta la utilización de otros films y personajes populares que nada tienen que ver con 300. Así los espartanos se las verán con Rocky Balboa, Spider-man (en su versión femenina), El Motorista Fantasma y las “versiones” de Britney Spears o Paris Milton.

Pero no solo se parodia la temática, también el estilo visual de 300. O mejor dicho, uno de los elementos visuales más destacados de 300. Las imágenes ralentizadas. Pero lo que en 300 era verdadero disfrute para la vista, aquí se convierte en tedio, dotando al producto de un empaque visual totalmente plano.
Dos cosas sorprende: la promoción nada disimulada de conocidas marcas de refrescos, chicles, cafeterías; y la insistente y cansina utilización de la homosexualidad como parte de los gags. En este punto, señalar quizá el momento “más entretenido” del film: los créditos finales, donde los protagonistas entonan el I Will Survive de Gloria Gaynor en una especie de, nuevamente, concurso televisivo.

Sin embargo tiene un punto a su favor Casi 300, y no un punto cualquiera. Y es que, a pesar de no hacer gracia, la película no se hace larga, todo lo contrario. Sin duda es la primera vez que veo un film que no consigue aquello para lo que en teoría ha sido realizado, o sea, hacer reír, pero que no resulta en ningún momento aburrido. Y dijo en teoría por que el objetivo primario es hacer dinero invirtiendo poquísimo, como así ha sido.

Nota (sobre 10). 2

Critica de "Casi 300" realizada por Xavi Porta.

Despierto (Awake)

Awake, titulado aqui como "Despierto" no engaña, es una cinta que desde el primer minuto te coloca dentro del universo de la pelicula y te dice que es lo hay.

Los primeros segundos del metraje sirve a modo biblico para comunicarte que hay cerca de 21 millones de personas que reciben anestia total por alguna operación, y que de estos, un pequeño porcentaje recibe la anestia pero no le surge más efecto que quedarse totalmente en estado catatonico, pero sintiendo de un modo literal todo lo que a su alrededor le sucede.Acto seguido parece que no estemos viendo la cinta que nos anunciaban, encontramos a Jessica Alba y a Hayden Christensen como dos tortolitos, y hasta bien entrada la pelicula, parece que sea una historia de amor en vez de un thriller.Pero si uno aguanta el empagalamiento un poco sin escapar del cine, el resultado vale la pena...

A todo eso encontramos a Lena Olin haciendo de madre de Hayden Christensen, y resulta de largo la que más me gusta de toda la pelicula.La cinta en su conjunto entretiene, es efectivista aunque uno no se trague el anzuelo completamente. Despues de unas horas me recuerda de una manera amable a la genial "Sospechosos Habituales".En cuanto a los actores, de la mediocridad no se salva ni Terrence Howard. Solo Lena Olin, como ya he dicho antes se salva y despunta.El sentimento hacia Hayden Christensen, es tan personal y extraño, como sus facciones y modo de actura.A Terrence Howard lo podemos disfrutar en DVD con "La extraña que hay en ti" y dentro de poco en "Iron Man".

Detras de la camara hay el debutante Joby Harold que tambien se atreve con el guión, si no se desmelena, tal vez tengamos un nuevo director que nos entretenga con algo de calidad.El ritmo pausado de la pelicula motiva una buena comunicación con ella, y disponemos de momentos memorables, sobretodo los de la mesa de operaciones.
"Despierto" es una falsa oda al amor que enganchara a una gran variedad de publico, eso si, si son capaces de aguantar los 45 minutos iniciales, se econtraran con una historia, aunque dificil de creer bastante bien atada; aunque en algun momento todo parece demasiado bien atado.
Como espectador me senti agradecido de ser engañado de una manera tan cinematografica, es algo que agrdecer en los tiempos que correr.
Recomendable para aburridos del cine de hoy convencional pero que no quiera arriesgar demasiado.

Esta actriz de largo y disperso recorrido le hemos podido ver en cintas como "Darkness" de Jaume Balagueró, "Mr. Jones", "Casanova" y "La insoportable levedad del ser" de 1987, en la que coincidiria por primera vez con Juliette Binoche, despues, mucho despues se verian otra vez en "Chocolat".De la pareja de tortolos destacamos que los dos tienen sendas peliculas "Jumper" y "The eye (visiones)" todavia en cartelera, pero ir a verlas, puedo producir empacho.

Nota Final: 6.5

La niebla de Stephen King

Es difícil ver hoy en día una adaptación de Stephen King en condiciones en la gran pantalla; quizas la ultima fuera "El cazador de suenos" con Morgan Freeman; pero la linea general desde "El resplador" o "Misery", aquella epoca dorada, no habia sido jamas alcanzada.
Pseudo productos en formato miniserie o directamente para carne de videoclub había hecho menguar el prestigio de las adaptaciones del "bestseller" King.
Frank Darabont, al que Stephen King le debe mucho en el mundo del cine fue el director "Cadena perpetua" y "La milla verde". Su debut fue con la maravillosa "Cadena perpetua" y parece que el director esta en deuda con el señor King.
En "La niebla de Stephen King", Frank Darabont repite con William Sadler en un papel secundario y sigue la pauta de "cadena Perpetua" para rodear a los protagonistas con secundario de lujo.

Alexa Davalos, Marcia Gay Harden, Nathan Gamble, William Sadler, Laurie Holden, Chris Owen, Toby Jones y un largo etcétera cumplen las expectativas del director; no en vano Laurie Holden ya habia trabajado con Darabont en la película "The majestic" protagonizada por Jim Carrey.
El planteamiento de la película parte después de una tormenta violenta que causa destrozos en la casa del protagonista, el cual decide ir con su hijo al pueblo a comprar todo aquello que necesita tras el desastre.
Ya en el súper, con los demás vecinos en las misma situación que él, les engulle una espesa niebla.
Con esto ya tenemos el cóctel necesario para que el universo de Stephen King surja.
No puede faltar el niño, el incrédulo (que dura poco), el profeta y todos los personajes típicos del universo personal de escritor.
Lo que trae la niebla, no deja de ser original, ya que se le aleja de los añejos fantasmas de otras películas del mismo nombre.
Hay, sin duda tenia que haber, algún momento algo sacado de contexto y metido a la fuerza. Pero las miserias que afloran en el ser humano, y tanto nos gusta leer a través de King son reflejadas fielmente.

Miedo, pánico, lucha, fe, no es esta otra estúpida película de miedo, va un paso más allá, por lo que el purista del genero tal vez se sienta extraño en sus tierras.
A veces estamos tan cansados de pedir películas de terror que no sean estúpidas, que cuando aparece una el difícil de tratar.
Ya hemos hablado de los actores, pero sin duda, el gran Toby Jones es uno de los ejes principales de la cinta; junto a Thomas Jane que nos sonara por "The Punisher/El castigador" y que tras unos años de parón, 2005-2007, reaparece con hasta 4 películas del 2007.
El peso de la película no esta, lo desconocido, lo que trae consigo la niebla, si no también a la vez, la bajeza humana, ahí es donde se nota el sello de King.

El regusto de la película, ese sabor que queda en boca es descorazonador, triste y solitario; pero no por la calidad, sino porque lo que nos querian transmitir se consigue con creces; querian ese sabor amargo a la salida del cine, querian que nos fueramos con tristeza y corazon encogido a nuestras casas; y lo hacen bien.
El recurso del susto fácil entre otros no es abusivo, con lo que, y repito lo antes dicho; te olvidas más del genero de la cinta y sucumbes a los encantos de la naturaleza humana.

A destacar el guiño inicial hacia la película "La cosa" de John Carpenter, que casualidad que el mismo Carpenter fuera quien en 1980 dirigiera "La niebla", aunque más que guiño parece una suplica de redención, unos agradecimientos por la inspiración de su cinta.

Recomendable para los están cansados del susto fácil y del vació del genero.

Nota Final: 6.5

La guerra de Charlie Wilson

“La Guerra de Charlie Wilson” es una guerra moral propia de la alta política, traducida a su máximo esplendor que es la bajeza política.
Paradojas de la vida, esos amigables y receptivos Talibanes que expulsaron de sus tierras a la amenaza roja en plena guerra frió, con la ayuda de los americanos; sean los que más tarde pusieran en jaque a todo el mundo con el atentado de las torres gemelas.
Pero el cine a veces resulta engañoso, como la vida real; y es el caso que explicaremos en la crítica de “La guerra de Charlie Wilson”.

Charlie Wilson es un mujeriego, bebedor y juerguista senador por Tejas; y tras visionar un reportaje sobre la guerra que se estaba realizando por parte de los comunistas rusos en Afganistán deciden tomar cartas en el asunto.
Primero doblará un presupuesto a 10 millones de dólares en los primeros minutos de la cinta, hasta pasar a mil millones al final.
Esta es una historia, supuestamente, real que se cierra con un buen y descorazonador final que muestra la perpetua arrogancia de ese país.

Detrás de toda figura política de peso, o con carrera en su currículo, siempre encontramos a un benefactor poco claro, que alimenta las arcas en pro de su candidato. Esta figura la encontramos representada por Julia Roberts, así pues junto a Tom Hanks en el papel protagonista del senador bonachón Charlie Wilson, podremos ver la primera aparición de dos súper stars en una misma película.
Los papeles que encarnan los protagonistas son agradecidos; esperpénticos, de caricatura gruesa.
Quien nos iba a decir que la sonrisa de América haría un papel de señora ligera de cascos, y Tom Hanks, ese actor soso, seria un juerguista mujeriego.
Pues con los papeles bien definidos ya podemos empezar la función.

El senador Wilson, tras visitar un campo de refugiados decide tomar riendas en el asunto y dar rienda suelta a todos los clichés políticos, endulzados con apuntes biográficos.

Entre todo ese baturrillo aparece Philip Seymour Hoffman, en un papel secundario nominado al Oscar, e injustamente arrebatado por Javier Bardem.
La aparición en escena de este actor es reconfortante, es la pieza que desengrasa y engrasa en los momentos idóneos, aunque casi siempre este de vuelta de todo.

Parte de culpa tiene de uno de los mejores momentos de la película, cuando transcurre su primera visita al senador para informar sobre sus acciones sobre Afganistán. Como si fuera una película de los hermanos Marx, entran y salen en tropel sus secretarias, y Philip Seymour Hoffman a la inversa para dejarles privacidad.
En resumen, podríamos decir que Philip Seymour Hoffman, es el Pepito Grillo de este cuento de niños.

El transcurso de la cinta, cuando Charlie Wilson consigue hasta mil millones y los rusos, representados como monstruos de bajeza humana; en esperpéntica por momentos.
Las escenas de lanzamiento de mísiles contra los helicópteros parecen de chiste y la moralina final descorazonadora por lo real que es.

Philip Seymour Hoffman, apuntilla la cinta con una historia a modo de proverbio, dando entender, que el trabajo no es solo dar armas y formar en el arte de la guerra, sino educar y formar a las nuevas generaciones para arrinconar el odio y progresar como pueblo.
Charlie Wilson, hará un ultimo intento, pero ya sabemos como acaba la entrada.

Nota final: 5.5

Sweeney Todd de Tim Burton

Pocas veces una persona aficionada al cine tiene la oportunidad de saber que esta viendo una obra maestra; contadas las ocasiones que uno de sus directores favoritos no lo lastime menospreciando su capacidad de asimilación.
"Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet" es sin duda dicha obra maestra. Una joya medio escondida por la maquinaria de "Pozos de ambición" o "No es país para viejos", incluso "Juno", todas las obras anteriores tienen cierta parte de culpa si uno no visiona esta película y se congratula de su suerte.

La imparcialidad de quien os habla, se puede poner en duda, claro que sí.



Me postulo como seguidor de Tim Burton y de Johnny Depp; me han gustado sus películas de animación, tanto o más que las que no, y hasta el remake del "Planeta de los simios" me pareció pasable.
Pero lo que aquí relato no es mi amor hacia su director o personajes, si no la realización de una gran película, un clásico que envejecerá mucho mejor que las películas que anteriormente he destacado.
"Sweeney Todd" no engaña, desde un primer momento sabemos que vamos a ver; Londres entre tinieblas, neblina, los bajos fondos de la gran ciudad en una época desigual.


Por si no sabíamos de que va la cinta, no nos dejan huir ni unos tristes segundos, casi de inmediato, después de unos títulos de créditos deliciosos aparece Depp cantando.
"Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet" es la versión cinematográfica de la obra teatral de Stephen Sondheim y solo si es comparada con su homónima teatral alguien puede encontrar un punto debil.
Si desde el Club Freak alabamos la inconexa "30 días de oscuridad" por ser fiel a la novela grafica, ahora no la vamos armar por personalizar dignamente el libreto para el cine.


Esta obra musical llevada a la pantalla de nuestras salas no empacha, las canciones entran cuando hace falta, y al más pequeño síntoma entra en acción las argucias de Burton para no desfallecer y entretener; grande, grande el número musical-playero de Helena Bonham Carter.
Venganza, alguna frase lapidaria como "En tiempos desesperados, medidas desesperadas" y mucho gore.


A destacar las escenas con las navajas y los temas que acompañana unos actores principales, Depp y Carter, que aprueban con nota la incursión en el mundo lírico.

Sorprende la mezcla sana y hasta graciosa de este "Conde de Montecristo" enajenado y sin compasión que solo es atado por la señorita Helena Bonham Carter, o lo que es lo mismo la señorita Lovett.




Pero los que piensen que la orgía de sangre venganza y dosis de surrealismo hunde la cinta en la poca credibilidad, se equivocan, pocas películas con tal imaginativa emociona tanto y demuestra melancolía por doquier; ese es uno de los motivos por lo que se hace grande esta película a medida que pasan los minutos.



Nos encontramos pocos actores a destacar, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen, Alan Rickman, Timothy Spall, son un pequeño circulo en el que no se hecha de menos a nadie, ni para bien ni para mal; y que además Tim Burton no les hace descubrir sus cartas hasta bien entrado el juego, cosa que hace crecer la empatía hacia la cinta. Incluso la incursión de Sacha Baron Cohen como "Pirelli" resulta acertada, un papel hecho a su medida.

Sorprende gratamente y en gran medida en diferentes momentos que hacen de la película material adictivo legal para el gran publico.

La industria es injusta y lo demuestra con solo tres nominaciones a los Oscar, mejor actor (Johnny Depp), dirección artística y vestuario.
Sabe a poco, a extraño, y uno se siente extraterrestre en lo que al cine se refiere; puede gustar tanto una película a un solo individuo; soy yo el más freak del club.

A la hora de asignar una nota final, me esfuerzo en recordar algún punto flaco, por eso, escribo esta critica de "Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet" al cabo de cuatro días de verla, para forzar a mi impresionada mente algún recuerdo o atizmo de aburrimiento, desidia temporal.
No hay suerte y mi nota es la más alta que jamás pondré a una película, algo cercano a la perfección.

Recomendable a todos, si no te gusta el musical, te gustará la venganza y el gore (más litros de sangre que en "Halloween"); si no te va eso de la sangre y la venganza, los sentimientos y la tristeza te atraparán.

Nota final: 9,5

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal

En el Club Freak no somos muy propensos a los trailers si no es por una crítica o un motivo de peso; esta ocasión vale la pena.
El video original pesa casi 100 megas, eso ya es una pasada, y trata sobre la cuarta entrega de "Indiana Jones" una de las primeras franquicias que se hizo.
El trailer, que enseña poco, nos demuestra que Indiana tiene unos dobles fabulosos, y que el señor Ford esta un poco abuelete; crucemos los dedos y que no lo veamos en caída libre dentro de la pelicula.

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal
Cargado por clubfreak

Juno

"Juno" es la película independiente del año, o al menos eso es lo que nos hacen creer, el argumento, la historia que hay detrás y las buenas formas le otorgan ese privilegio.
Por supuesto las nominaciones de los Oscar han sido fundamentales.
Algo parecido a lo sucedido con "Pequeña Miss Sunshine" el año pasado, e inevitablemente las comparaciones no se han hecho esperar, más por la forma que por el contenido.
"Juno" es la historia atípica de una adolescente de 16 años que se queda embarazada y decide tener la criatura para donarla en adopción, este argumento, que serviría para una docena de telefilmes baratos de sobremesa, es manipulado virtuosamente por su director Jason Reitman.
Sin olvidar la estética algo "pulp", descuidada y realista, es fresco pensar que alguien como "Juno" pueda existir en los tiempos que corren, pero eso es hacer volar, y mucho mi imaginación.

La cinta, es más una proposición de buenas intenciones, de confusiones típicas de la adolescencia, de familias poco o demasiado comunes, y todo alrededor de Juno y su tripa.
No hay más que cierto tufillo liberal que pasa inadvertido, y hasta resulta divertido; al menos esta lejos de la moralina americana, del pecado y esas cosas varias tan malas para nuestra alma.
Lo que sobresale en gran medida es un nombre, una actriz, Ellen Page.
Esta chica es una delicia, entretiene, es creíble, y transmite más que algunas vacas sagradas consagradas dadas al Dios Botox. En torno a ella gira todo el universo, para lo bueno, como para lo malo.

El transcurrir de la película nos alivia al no mostrar lo morboso del embarazo, y tan solo ceñirse a lo que es estrictamente necesario; gran escena para recordar la ecografía, de lo mejorcito.

Con ese ritmo la película se vuelve entretenida y es una consecución de diálogos ingeniosos, aunque a veces resulten forzados, mucho esperpento de golpe y continuado.

Ya hemos avisado que su director es Jason Reitman, que con su opera prima "Gracias por fumar" aporto un soplo de aire fresco al negocio; y buenos momentos al espectador, si no, recordad la escena en la que se intentan cargar al protagonista a base de parches de nicotina,

epico.

En el guión vemos que hay una star de lo underground americano, Diablo Cody, chica de moda y que se la rifa el mismo Spielberg.

Por supuesto que hay algún momento que la película chirría, como en la escena en la que Juno advierte a sus padres de su estado, y en la que estos se quedan más bien fríos ante la resolución tomada por su hija de dar en adopción a la criatura. Pero eso no lo vamos a tener en cuenta.

Cuatro nominaciones, película, director, guión y actriz, son las que opta esta película, sorpresa más que agradable si se llevara algo, y más sorpresa si no fuera al guión. Si fuera por mí el de mejor actriz iba derechito hacia Ellen Page.
Quien quiera ver más de la señorita Page, debe saber que tenemos dos estrenos pendientes; "An American Crime" y "Mouth To Mouth".

Recomendable para los amantes del underground menos puristas, aficionados no lo dudéis; apto para todo tipo de espectador algo cinefilo.

Nota Final: 7.5

Muere Roy Scheider, el sheriff de "Tiburón"

El actor Roy Scheider, conocido por su papel como el jefe de policía de un pequeño pueblo costero en la película "Tiburón" y por su interpretación del coreógrafo Bob Fosse en "Empieza el espectáculo", murió el domingo a los 75 años.

Scheider murió a causa de complicaciones originadas por un mieloma múltiple, un cáncer que ataca las células de la sangre, mientras permanecía ingresado en un centro de investigación en la Universidad de Arkansas en Little Rock, según una portavoz de la institución.

La portavoz añadió que el actor había recibido tratamiento médico en ese centro de manera intermitente durante dos años.

Scheider fue nominado en dos ocasiones a los premios Oscar, una por su papel como Fosse en "Empieza el espectáculo" (1979) y otra como actor secundario por "The French Connection, contra el imperio de la droga" (1971).


Con esta nota la agencia Reuters de noticias, haci publica la muerte de este actor, del cual recientemente se a publicado la serie "SeaQuest" de Steven Spielberg en formato DVD.
Hace poco que volvi a ver "Tiburón", fue en el festival de Sitges de hace un par de años, y la maratón consistia en recordar primero el clasico, luego una peli de serie sobre los escualos asesinos y finalmente una especia de documental sobre los problemas que tuvo Spielberg a la hora de crear al monstruo.

Scheider era un actor que envejecia mal, ya sea por el botox o por cualquier motivo; pero parecia estar fuera de tono en algunas cintas.

Con especial cariño recuerdo "El trueno azul", "Marathon Man", cierto es que no pasara a la historia por sus dotes, pero en nuestro corazón siempre quedara un trozo cinefilo para el sheriff de "Tiburón".

Aqui teneis su filmografia:
El almuerzo desnudo (2007) actor
The good war - La buena guerra - (2002) actor
El Rey de Texas (2001) actor
Al servicio del presidente (2000) actor
Al amanecer (2000) actor
Huida al paraíso (2000) actor
Evasión sin límites (1998) actor
Silver Wolf (1998) actor
El cuervo blanco (1998) actor
Se juega dinero (1997) actor
Peacekeeper: Chantaje nuclear (1997) actor
Rescate en Cuba (1996) actor
Traición de patriotas (1996) actor
La risa del diablo (1996) actor
Doble juego (1993) actor
La casa Rusia (1990) actor
Escúchame (1989) actor
Cohen & Tate (1989) actor
52: vive o muere (1986) actor
2010: Odisea 2 (1984) actor
Night Game (1984) actor
Click, click (1983) actor
El trueno azul (1983) actor
Empieza el espectáculo (1979) actor
Tiburón 2 (1978) actor
Carga maldita (1977) actor
Marathon Man (1976) actor
Tiburón (1975) actor
French connection: contra el imperio de la droga (1971) actor
Klute (1971) actor
Buscando amor (1970) actor