Ya tenemos a disposición del gran público la primera imagen de la pelicula ‘Inglourious Basterds’, el último invento de Quentin Tarantino con Brad Pitt de protagonista.
Primeras imagenes ‘Inglourious Basterds’
10/21/2008
Crítica Rock'n'Rolla
10/08/2008
La nueva película de Guy Ritchie se presenta en Sitges 2008 fuera de concurso. Después de dos tropezones comerciales, Ritchie vuelve a visitar los temas y personajes que tan buen resultado le han dado.
En el Londres de hoy día, con sus especulaciones urbanísticas, un capo ruso de la mafia; una contable desleal; un par de delincuentes de segunda fila; políticos corruptos… variopinto repertorio de personajes para una película coral en los bajos fondos londinenses.
Ritmo frenético, diálogos con chispa, todo esto está en Rocknrolla que por otro lado no deja de ser más de lo mismo, es decir, una vuelta de tuerca de lo que fue Snatch, Cerdos y Diamantes, su mejor film hasta la fecha, y que a su vez también era una revisión de su primera película Lock and Stock.
La película entretiene, está bien rodada, y tiene algún momento cómico destacable (como la muy divertida persecución a pie de los dos guardaespaldas a los dos ladrones de segunda fila), pero sin llegar a cotas como la de Snatch.
Se ha perdido la frescura de la anteriormente citada y, evidentemente, la de Lock and Stock; resultando por momentos reiterativa y con menos fuerza.
Así pues el film no defraudará a los fans incondicionales del director, ni al público en general. Entretenimiento asegurado, y antesala para una segunda parte tal y como se nos anuncio en los créditos finales.
Nota: 6
En el Londres de hoy día, con sus especulaciones urbanísticas, un capo ruso de la mafia; una contable desleal; un par de delincuentes de segunda fila; políticos corruptos… variopinto repertorio de personajes para una película coral en los bajos fondos londinenses.
Ritmo frenético, diálogos con chispa, todo esto está en Rocknrolla que por otro lado no deja de ser más de lo mismo, es decir, una vuelta de tuerca de lo que fue Snatch, Cerdos y Diamantes, su mejor film hasta la fecha, y que a su vez también era una revisión de su primera película Lock and Stock.
La película entretiene, está bien rodada, y tiene algún momento cómico destacable (como la muy divertida persecución a pie de los dos guardaespaldas a los dos ladrones de segunda fila), pero sin llegar a cotas como la de Snatch.
Se ha perdido la frescura de la anteriormente citada y, evidentemente, la de Lock and Stock; resultando por momentos reiterativa y con menos fuerza.
Así pues el film no defraudará a los fans incondicionales del director, ni al público en general. Entretenimiento asegurado, y antesala para una segunda parte tal y como se nos anuncio en los créditos finales.
Nota: 6
Crítica Red
Brian Cox interpreta a un hombre mayor propietario de una tienda de comestibles que ve como un grupo de jóvenes matan a su perro sin motivo alguno.
Red, que así se llamaba el perro, es también el título de la película que han dirigido a duo Trygve Allister Diesen y Lucky McKee. McKee, que sorprendió en el 2002 con May, ahora nos ofrece junto con Allister Diesen un drama en toda regla, que incomprensiblemente forma parte de la sección oficial fantàstic del festival de Stitges 2008.
Por lo demás, la historia en si no es muy novedosa. Un incidente conlleva unas consecuencias, que llevan a otras, que llevan a otras… La particularidad reside en que el incidente inicial es la muerte de un perro, algo que muchos consideraran lamentable pero no trascendente. Y ciertamente la película resulta interesante en este tramo inicial, en el que se nos cuenta que la muerte de un animal de compañía es un momento duro para su “propietario”, (que mal suena esta palabra en este caso); y si la muerte no ha sido accidental, como ahora, debería dársele toda la atención que se merece y responsabilizar a los culpables como se merecen (y como la ley exige).
Todo esto devendrá en una trama de venganza, inevitable y forzada por los culpables de la muerte del perro, que nos es ofrecida de forma solemne y pausada por los dos directores.
Película más cercana por su realización a un telefilme de sobremesa, tiene su gran baza en la sobria interpretación de Brian Cox, excelente y sin duda lo mejor del film, presente prácticamente en todas las secuencias.
Nota: 6
Red, que así se llamaba el perro, es también el título de la película que han dirigido a duo Trygve Allister Diesen y Lucky McKee. McKee, que sorprendió en el 2002 con May, ahora nos ofrece junto con Allister Diesen un drama en toda regla, que incomprensiblemente forma parte de la sección oficial fantàstic del festival de Stitges 2008.
Por lo demás, la historia en si no es muy novedosa. Un incidente conlleva unas consecuencias, que llevan a otras, que llevan a otras… La particularidad reside en que el incidente inicial es la muerte de un perro, algo que muchos consideraran lamentable pero no trascendente. Y ciertamente la película resulta interesante en este tramo inicial, en el que se nos cuenta que la muerte de un animal de compañía es un momento duro para su “propietario”, (que mal suena esta palabra en este caso); y si la muerte no ha sido accidental, como ahora, debería dársele toda la atención que se merece y responsabilizar a los culpables como se merecen (y como la ley exige).
Todo esto devendrá en una trama de venganza, inevitable y forzada por los culpables de la muerte del perro, que nos es ofrecida de forma solemne y pausada por los dos directores.
Película más cercana por su realización a un telefilme de sobremesa, tiene su gran baza en la sobria interpretación de Brian Cox, excelente y sin duda lo mejor del film, presente prácticamente en todas las secuencias.
Nota: 6
Crítica Martyrs
Llegó a Sitges la película polémica del año, la que ha reabierto el tema de la censura en Francia, y plantea una vez más la pregunta de hasta donde debe ser permisible la violencia en el cine.
Pascual Laugier debutó en el largometraje con El Internado (2004), un mediocre film de terror olvidable. Martyrs es su segundo film y las expectativas, al menos para mí, no eran muy grandes. Más bien todo lo contrario después de la polémica desatada en su proyección en Cannes y todo lo que se ha escrito sobre ella (y lo que nos falta por leer).
Lucie escapa de su cautiverio y es recluida en una clínica donde hará amistad con Anna. Lucie está traumatizada por las torturas recibidas y no quiere recordar. 15 años después, una familia está tomando el desayuno cuando llaman a la puerta. El padre abre y Lucie, empuñando una escopeta, le dispara. Es el momento de su venganza.
Martyrs es una película violenta, muy violenta, aunque no la más dura ni la más salvaje como nos dicen. Y no lo es por que desde el principio utiliza recursos efectistas, tanto visuales como sonoros, de un film de horror al uso (eso si, con una producción de calidad) para pretender vendernos el horror en mayúsculas. Y ese es el problema, que no cuela.
Si la película se plantea la pregunta de qué queda después de la violencia (tal como dice su director), si se lo plantea en serio, el uso de efectismos le hace perder toda credibilidad. Y cuando se pierde credibilidad, el mensaje se difumina y lo que queda es el espectáculo del gran guiñol (muy sangriento, eso si).
Si Pascual Laugier se siente incómodo por que el público aplaude ciertas secuencias, o casi parece pedir disculpas por haber hecho la película (algo absurdo), es por que nos quiere vender gato por libre.
Curiosamente Martyrs tiene en su tramo final, en la tan comentada e interminable secuencia/as de tortura, su parte quizá más honesta: cine más o menos puro sin artificios, casi sin música ni efectos sonoros. Pero solo en esas escenas en concreto y solo hasta llegar a la pirueta final: el no va más de las torturas y el porqué de esas torturas. Pero todo eso es más bien poco y no puede hacernos olvidar el resto de metraje más propio de un film de horror al uso, que a uno con inquietudes.
Lo que si hay que reconocer es que como film de horror funciona, impacta, sobrecoge y, soy testigo, hace abandonar al público la sala (como lo han hecho también otros films anteriormente).
Que hay mucha maldad y crueldad en el mundo es innegable, solo hace falta ver las noticias. Querer plantearse preguntas sobre el por qué de esa maldad de una forma seria es encomiable e interesante de ver, por muy duro que resulte. Pero ese, desde luego, no es el caso de Martyrs.
Nota: 5
Pascual Laugier debutó en el largometraje con El Internado (2004), un mediocre film de terror olvidable. Martyrs es su segundo film y las expectativas, al menos para mí, no eran muy grandes. Más bien todo lo contrario después de la polémica desatada en su proyección en Cannes y todo lo que se ha escrito sobre ella (y lo que nos falta por leer).
Lucie escapa de su cautiverio y es recluida en una clínica donde hará amistad con Anna. Lucie está traumatizada por las torturas recibidas y no quiere recordar. 15 años después, una familia está tomando el desayuno cuando llaman a la puerta. El padre abre y Lucie, empuñando una escopeta, le dispara. Es el momento de su venganza.
Martyrs es una película violenta, muy violenta, aunque no la más dura ni la más salvaje como nos dicen. Y no lo es por que desde el principio utiliza recursos efectistas, tanto visuales como sonoros, de un film de horror al uso (eso si, con una producción de calidad) para pretender vendernos el horror en mayúsculas. Y ese es el problema, que no cuela.
Si la película se plantea la pregunta de qué queda después de la violencia (tal como dice su director), si se lo plantea en serio, el uso de efectismos le hace perder toda credibilidad. Y cuando se pierde credibilidad, el mensaje se difumina y lo que queda es el espectáculo del gran guiñol (muy sangriento, eso si).
Si Pascual Laugier se siente incómodo por que el público aplaude ciertas secuencias, o casi parece pedir disculpas por haber hecho la película (algo absurdo), es por que nos quiere vender gato por libre.
Curiosamente Martyrs tiene en su tramo final, en la tan comentada e interminable secuencia/as de tortura, su parte quizá más honesta: cine más o menos puro sin artificios, casi sin música ni efectos sonoros. Pero solo en esas escenas en concreto y solo hasta llegar a la pirueta final: el no va más de las torturas y el porqué de esas torturas. Pero todo eso es más bien poco y no puede hacernos olvidar el resto de metraje más propio de un film de horror al uso, que a uno con inquietudes.
Lo que si hay que reconocer es que como film de horror funciona, impacta, sobrecoge y, soy testigo, hace abandonar al público la sala (como lo han hecho también otros films anteriormente).
Que hay mucha maldad y crueldad en el mundo es innegable, solo hace falta ver las noticias. Querer plantearse preguntas sobre el por qué de esa maldad de una forma seria es encomiable e interesante de ver, por muy duro que resulte. Pero ese, desde luego, no es el caso de Martyrs.
Nota: 5
Crítica Vinyan
A diferencia de lo el belga Fabrice du Welz dijo al presentar Vinyan, esta no es tan distinta a Calvaire, su anterior trabajo.
Du Welz nos lleva esta vez a Tailandia. El hijo de Jeanne (Emmanuelle Béart) y Paul (Rufus Sewell) ha desaparecido a consecuencia de un tsunami. Incapaces de aceptarlo permanecen en el país sin perder la esperanza de encontrarlo.
Un día, en una fieta para recoletar fondos de ayuda para los habitantes que ocupan las aldeas más remotas, Jeanne cree ver a su hijo en un grabación. Es una imagen poco nítida y el niño está de espladas, pero la camisete roja del Manchester United no le deja duda. A partir de ahí, Jeanne y Paul se embarcarán en un viaje tan desesperado como esperanzador al corazón del horror. No es, sinembargo, un horror de monstruos gigantesco; el horror que nos presenta Vinyan puede emparentarse con el del capitán Benjamin L. Willard de Apocalypse Now, o el de Lope de Aguirre en el film de Herzog: después de todo, las tres películas, son road-movies (via rio) de aprendizaje o descubrimiento.
Hay otro título clave al que Du Welz hace referencia abiertamente: Amenaza en la Sombra de Nicolas Roeg (excelente por otro lado). Al igual que en Vinyan, una pareja pierde a su hijo (ahogado) y en un viaje a Venecia ella cree reconocerlo vestido con un impermeable rojo.
Antes hacía referencia a que Vinyan no es tan distinta a Calvaire. Ambas son dos dramas de horror. En ambas la naturaleza en su estado más primitivo está presente; entendiendo por naturaleza no solo el paisaje (mostrado perfecta y extrañamente cautivador, a la vez que aterrorizador), sino también sus habitantes. Los civilizadamente primitivos habitantes de la región de Liège no son tan distintos de los incivilizadamente primitivos habitantes birmanos, y las necesidades de unos aunque distintas, están emparentadas: la soledad, la falta de compañía, aunque para ello se recurra a una fantasía disfrazada (caso de Calvaire), se transforma aquí en la necesidad de una guía para unos espírituis de carne y hueso que bajan por la selva birmana. La perdida de un hijo es, a temprana edad, tan demoledor como la falta de una madre cuando no se alza más de un metro y medio; y Vinyan, la palabra, es una expersion de la zona utilizada para referirse a un espíritu inquieto que baja sin una luz que la guie.
Vinyan es una historia de necesidades (emocionales, existenciales, vitales), una maduración de Calvaire y por tanto un paso adelante totalmente consecuente en la carrera de Du Welz.
El uso del sonido así como una imagen tan cautivadora como fría, tan fantasmagórica como real (otras dos características ya presentes en Calvaire), hacen de Vinyan un drama que utiliza la atmósfera del fantástico (y dicho sea de paso, de forma magistral) y que sin duda aburrirá a los que esperen encontrar un film de terror.
Nota: 7
Du Welz nos lleva esta vez a Tailandia. El hijo de Jeanne (Emmanuelle Béart) y Paul (Rufus Sewell) ha desaparecido a consecuencia de un tsunami. Incapaces de aceptarlo permanecen en el país sin perder la esperanza de encontrarlo.
Un día, en una fieta para recoletar fondos de ayuda para los habitantes que ocupan las aldeas más remotas, Jeanne cree ver a su hijo en un grabación. Es una imagen poco nítida y el niño está de espladas, pero la camisete roja del Manchester United no le deja duda. A partir de ahí, Jeanne y Paul se embarcarán en un viaje tan desesperado como esperanzador al corazón del horror. No es, sinembargo, un horror de monstruos gigantesco; el horror que nos presenta Vinyan puede emparentarse con el del capitán Benjamin L. Willard de Apocalypse Now, o el de Lope de Aguirre en el film de Herzog: después de todo, las tres películas, son road-movies (via rio) de aprendizaje o descubrimiento.
Hay otro título clave al que Du Welz hace referencia abiertamente: Amenaza en la Sombra de Nicolas Roeg (excelente por otro lado). Al igual que en Vinyan, una pareja pierde a su hijo (ahogado) y en un viaje a Venecia ella cree reconocerlo vestido con un impermeable rojo.
Antes hacía referencia a que Vinyan no es tan distinta a Calvaire. Ambas son dos dramas de horror. En ambas la naturaleza en su estado más primitivo está presente; entendiendo por naturaleza no solo el paisaje (mostrado perfecta y extrañamente cautivador, a la vez que aterrorizador), sino también sus habitantes. Los civilizadamente primitivos habitantes de la región de Liège no son tan distintos de los incivilizadamente primitivos habitantes birmanos, y las necesidades de unos aunque distintas, están emparentadas: la soledad, la falta de compañía, aunque para ello se recurra a una fantasía disfrazada (caso de Calvaire), se transforma aquí en la necesidad de una guía para unos espírituis de carne y hueso que bajan por la selva birmana. La perdida de un hijo es, a temprana edad, tan demoledor como la falta de una madre cuando no se alza más de un metro y medio; y Vinyan, la palabra, es una expersion de la zona utilizada para referirse a un espíritu inquieto que baja sin una luz que la guie.
Vinyan es una historia de necesidades (emocionales, existenciales, vitales), una maduración de Calvaire y por tanto un paso adelante totalmente consecuente en la carrera de Du Welz.
El uso del sonido así como una imagen tan cautivadora como fría, tan fantasmagórica como real (otras dos características ya presentes en Calvaire), hacen de Vinyan un drama que utiliza la atmósfera del fantástico (y dicho sea de paso, de forma magistral) y que sin duda aburrirá a los que esperen encontrar un film de terror.
Nota: 7
Crítica de The Sky Crawlers
Mamoru Oshii, el artífice de clásicos de la animación como Ghost in the Shell (en sus dos partes) o Avalon (imagen real), presenta en Sitges su último trabajo.
Imaginemos que en nuestro mundo ya no hay guerras y se ha impuesto un periodo de paz. Sin embargo, para conseguir esta situación idílica, dos grandes compañías se enfrenta en una guerra televisa sin fin; donde los llamados Kildren (niños que no crecen y no pueden morir, excepto en combate) son los protagonistas.
Que las guerras, además de una fuente de ingresos y efectivo (o no tanto) equilibrador demográfico, son una válvula de escape para amansar al animal que todos somos, no es ningún descubrimiento: somos lo que somos y como somos para desgracia de todos.
Sky Crawlers destaca por sus impresionantes combates aéreos magistralmente realizados en una perfecta combinación de técnicas de 2D y 3D; y unos efectos de sonido excelentes (obra y gracia de Skywalker Sound). El gusto por el detalle y los colores suaves, se unen a un ritmo pausado y unos diálogos concisos e inteligentes potenciando un discurso político y social. Pero fundamentalmente la película de Oshii nos habla de la desesperación de una juventud ante un futuro yermo: ¿para que crecer si no sabes si mañana vas a morir?
Pero fundamentalmente es un drama de sentimientos frustrados y dolorosos (y mucho), por que por mucho que nos empeñemos en “no crecer”, en no hacernos adultos, si algo no podemos evitar es el “sentir” (aunque podemos ignorarlo)
Sky Crawlers es una obra meditada y meditativa (si se quiere un tanto larga en metraje); triste, de tono melancólico; donde las miradas y los silencios importan tanto como los momento dialogados. Una parábola en que su originalidad no consiste en lo que nos cuenta (discurso que nos ha sido presentado en otros films), sino en como nos lo cuenta.
A destacar la excelente banda sonora compuesta por Kenji Kawaii, responsable de anteriores títulos de Oshii y que potencia con sus maravillosos acordes las imágenes de uno de los títulos importantes dentro del anime japonés.
Nota: 7
Imaginemos que en nuestro mundo ya no hay guerras y se ha impuesto un periodo de paz. Sin embargo, para conseguir esta situación idílica, dos grandes compañías se enfrenta en una guerra televisa sin fin; donde los llamados Kildren (niños que no crecen y no pueden morir, excepto en combate) son los protagonistas.
Que las guerras, además de una fuente de ingresos y efectivo (o no tanto) equilibrador demográfico, son una válvula de escape para amansar al animal que todos somos, no es ningún descubrimiento: somos lo que somos y como somos para desgracia de todos.
Sky Crawlers destaca por sus impresionantes combates aéreos magistralmente realizados en una perfecta combinación de técnicas de 2D y 3D; y unos efectos de sonido excelentes (obra y gracia de Skywalker Sound). El gusto por el detalle y los colores suaves, se unen a un ritmo pausado y unos diálogos concisos e inteligentes potenciando un discurso político y social. Pero fundamentalmente la película de Oshii nos habla de la desesperación de una juventud ante un futuro yermo: ¿para que crecer si no sabes si mañana vas a morir?
Pero fundamentalmente es un drama de sentimientos frustrados y dolorosos (y mucho), por que por mucho que nos empeñemos en “no crecer”, en no hacernos adultos, si algo no podemos evitar es el “sentir” (aunque podemos ignorarlo)
Sky Crawlers es una obra meditada y meditativa (si se quiere un tanto larga en metraje); triste, de tono melancólico; donde las miradas y los silencios importan tanto como los momento dialogados. Una parábola en que su originalidad no consiste en lo que nos cuenta (discurso que nos ha sido presentado en otros films), sino en como nos lo cuenta.
A destacar la excelente banda sonora compuesta por Kenji Kawaii, responsable de anteriores títulos de Oshii y que potencia con sus maravillosos acordes las imágenes de uno de los títulos importantes dentro del anime japonés.
Nota: 7
Crítica Death Race: La carrera de la muerte
10/06/2008
Predecible es poco para una pelicula como "Death Race: La carrera de la muerte".
A base de esfuerzo y decepciones, el que escribe va curtiendo unas tacticas para que la pelicula de marras no pierda su interes hasta casi el final, pero en esta cinta fue imposible.
No me caracterizo por buscar el siguiente plano, la proxima trama y mucho menos hago loterias sobre el final, pero "Death Race" nos lo pone a tiro de nuestro subsconciente.
Despues de una intro bastante buena, nos dejan en medio de un futuro cercano que adquiere cierto interes, pera tras la primera escena de la trama, en casa del protagonista me queda un sentimiento desolador.
Durante todas las escenas, más o menos importantes, subrayadas por la camara lenta o por una música determinada, los detalles de la trama son señalados con luces de neón que nos tratan de idiotas.
A pesar de esa actitud, la acción transcurre si someterse a juicios morales ni a guiones demasiado pesados. Y eso es lo mejor de la pelicula, una mezcla de film carcelario con "Cadena Perpetua", curioso, pero es asi, asi pues tras ver el final no os desespereis por las incongruencias.
El conjunto es decente, no es tan feo como pegar a un padre con un calcetin, pero no es ninguna joya que valga la entrada de cine, como mucho en dvd y si se puede gorrear viendola en casa de un amigo, mejor que mejor.
Nota final:4
Crítica Asesinato Justo (Righteous Kill)
No nos engañemos, "Asesinato Justo" es un título poco afortunado. No seré yo quien dude de una más o menos acertada traducción, pero ese titulo huele a refrito. Si a eso le sumamos un poster donde delante de una ciudad se pueden ver los rostros de los dos protagonistas, más una arma intercalada, la formula no acaba de cuajar. Solo se salva la frase de "La mayoria de gente respeta la placa. Todos respetan el arma".
El inicio de la cinta, es prometedor, como dos amigachos de toda la vida, vemos a De Niro y Al Pacino en la galeria de tiro quemando polvora a todo trapo; una escena bonita pero tramposa, como casi toda la pelicula, ya que carece de tanta acción.
La emdeble trama no pide más explicaciones, y dado el coto cerrado de protagonistas, el circulo se cierra progresivamente, y ni la tramposa aparición de Robert De Niro explicando lo que sucede funciona bien al juego del despiste.
El conjunto es una pelicula regular en casi todos los aspectos, y en la que todo el encanto reside en la pareja protagonista, un De Niro regular y un Al Pacino contenido, algo extraño en él.
El director Jon Avnet se rinde a sus actores, tal como hizo con "88 minutos" de Al Pacino. Lejos queda el minimo rastro de sentimiento de su obra más carismatica la preciosa "Tomates verdes fritos" de 1992.
Si salimos de la cinta, la espera de tener a dos grandes en la misma cinta ha valido la pena, sin duda alguna para demostrar que hay actores que todavia llenan la pantalla, pero dejar que las ganas de ver a las estrellas, se antepongan a la calidad es dificil de creer.
En resumen, ni la presencia de 50 Cent como malote, ni el duo de estrellas recuperan de un naufragio cantado a la cinta y a su director; si escapamos de posos politicos, algunos dirán que las grandes estrellas que vemos son arrastradas por el fango de clichés; y en parte tienen razón.
Nota final: 5
Crítica Southland Tales
10/05/2008
Donnie Darko (2001) es ya un film de culto entre los seguidores del fantástico, significando para Richard Nelly una excelente carta de presentación. Ha necesitado cinco años para presentarnos su segundo trabajo. Se esperaba con ansias y se esperaba mucho, pero en nuestro país nunca ha llegado a estrenarse. Ahora, dos años después de su estreno, Sitges 2008 en su sección retrospectiva de ciencia ficción, nos brinda la oportunidad de saciar la larga espera.
Un director de cine amnésico, una actriz porno y un policía que busca a su hermano gemelo se verán envueltos en una historia apocalíptica, donde Texas ha sufrido un ataque nuclear, provocando la tercera guerra mundial, y la solución a la crisis petrolífera parece pasar por un artilugio que altera la realidad.
Con sus dos horas y medias, el segundo film de Kelly intenta abarcar conceptos sociales y políticos, pero se pierde en un guión enrevesado incapaz de entrelazar los conceptos; y en una marabunta de imágenes y situaciones que, por efecto acumulativo, terminan mareando. Tampoco ayudan sus actores protagonistas, en especial un Dwayne Jonson que si bien nunca ha sido un buen actor, en esta ocasión parece campar a sus anchas en una actuación entre insufrible y patética (especialmente cuando intenta ser gracioso).
La mezcla de géneros (ciencia ficción con pulso de película de acción y vestida de comedia) y el tono grandilocuente recuerdan las locuras fallidas de Terry Guillian. Por que eso es Southland Tales, una película muy, muy ambiciosa pero fallida, cargante y larga; pero que sin duda terminara convirtiéndose en otro “clásico” imprescindible de el nuevo milenio.
Un paso en falso para Richard Kelly, que ha querido abarcar demasiado (y eso que Donnie Darko era tan ambiciosa y compleja como esta a nivel narrativo) pero casi obligado de ver para todos aquellos que caímos rendidos con su primer film. Vuelve pronto Richard, vuelve a sorprendernos por que puedes, pero serénate un poco.
Nota: 5
Crítica de "Reflejos (Mirrors)
Alexandre Aja impactó hace cuatro años con la brutal Alta Tensión. Después de ello, el joven director y guionista francés fue “adoptado” por Hollywood en un intento, quizá, de insuflar un soplo de aire fresco al cada vez más reiterativo género fantástico. En realidad lo que Hollywood hace generalmente es “secuestrar” los nombres que más suenan fuera de sus fronteras, para ofrecerles en muchas ocasiones productos tan aburridos como los de siempre; o remakes, algo tan absurdo en la mayoría de los casos como lucrativo; con el fin de atrae a más público. A Aja le ofrecieron el remake de Las Colinas Tienen Ojos (Wes Craven, 1977), y la verdad es que le salió francamente bien: dio lo que prometía.
Ahora le toca el turno a Into de Mirror, película sud-coreana del 2003. Y esta vez no le ha salido tan bien.
Ben Carson (Kiefer Sutherland ) es un inspector de la policía de New York que, tras disparar fatalmente a otro policía, es suspendido. Un año después, intenta superar su alcoholismo y recuperar su vida y su familia. Para ello acepta el empleo de vigilante nocturno en unos grandes almacenes calcinados hace algunos años. Pero algo espera en los espejos del ruinosos Mayflower.
Quién haya visto los anteriores trabajos de Aja, acudirá a ver Reflejos esperando gore y sangre. Y aunque la secuencia de apertura parece prometernos un nuevo festín, lo cierto es que de eso hay bien poco.
La película aburre en sus 110 minutos de metraje. Larga, demasiado larga; llena de los previsibles y, parece que actualmente, casi obligatorios sustos (donde el sonido magnificado es el alma del mismo). Una historia de inicio pausado, casi más propio de un drama pero fuera de contexto por que el drama en si mismo, las miserias de Ben, son también tópicas y eso las hace nada interesantes; donde las tonalidades azules con que nos son presentadas las escenas nocturnas, ayudan a enfatizar ese tono tristón y frío (la acción se desarrolla en invierno); y no será hasta su tercio final donde Aja imprime algo más de ritmo y fuerza en las escenas (si lo que vas a contar es más de lo mismo, al menos muéstranoslo de forma interesante). El problema es que ya es demasiado tarde para captar el interés. Y eso que los espejos son un elemento atractivo que podría dar mucho juego.
Sin embargo, curiosamente, el final del final (por que siempre hay un final después del final en este tipo de películas; otro tópico) demuestra no ser muy original, ni quizá sorprendente, pero al menos no es ofensivo si no todo lo contrario.
Un película que puede gustar y entretener, a mi me aburrió, con contadas escenas sangrientas; donde los personajes reaccionan de forma simplona, cuando no absurda; y diálogos más simplones si cabe. Decepción para los seguidores de Aja; decepción para
los seguidores del fantástico; y decepción para inaugurar la 41 edición del Festival Internacional de Sitges 2008.
Por cierto, el próximo proyecto de Aja, indiscutible hombre-remake, es una versión de Piraña (Joe Dante, 1978), aunque esta vez con la “magia” del 3-D (algo nuevo hay que aportar, ¿no?).
Y de extra os dejamos el poster original de USA y el trailer en español:
Festival de cinema de Sitges
Desde el Club Freak no podiamos dejar escapar uno d elos mejores festivales de nuestro país, por eso, a partir de hoy Xavi Porta nos traerá las mejores críticas de este festival.
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